Créditos:
Diseño museográfico: José Pérez de Arce.
Confección montajes: Luis Solar, Nelson Espinosa, Santiago Lescano, Miguel Alvayay.
Textos: Clemente McKay, José Pérez de Arce, Luis Muro Ynoñán.
Paisaje sonoro: Clemente McKay y José Pérez de Arce.
Ilustraciones: Artistas Moche, Donna McCleland, Clemente McKay.
Videos: Juan Croxatto, Felipe Marin Araya.
Diseño de gráficas, catálogo y díptico: Santiago Silva, Vicente Marín y Michael Contreras. Fotografía y registros: Benjamín Moreno, Juan Croxatto, Pascale Mouchabek.
Performances: La chimuchina, Dimitri Manga y otros invitadxs.
Agradecimientos especiales a Victorina Gallegos de Quinchamalí, a Antonia López, Javier Alonso y Pedro.
Esta obra la comencé a desarrollar en 2021, y es un proyecto artístico que comenzó con una colección de piezas de cerámica, en donde me introduje en una profunda investigación de las técnicas cerámicas andinas precolombinas de la costa norte del actual Perú, específicamente de la sociedad Moche, para reinterpretar su carácter comunicativo: las piezas de cerámica y sus iconografías como una forma de escritura propia de nuestra tierra andina. De esa forma, con esta tecnología antigua de comunicación a través de las imágenes, represento este Pachakuti: el espacio/tiempo (pacha) que se invierte (kuti), relato compartido en los pueblos andinos que se refiere a estos tiempos de crisis que vivimos en la actualidad. Así las piezas muestran escenas que se refieren a distintos eventos de la contingencia, como crisis sociales, pandemia, crisis climática, entre otras, así como la contraparte que va surgiendo como respuesta y alternativa a este mundo que se derrumba.
Con el tiempo, este proyecto ha encontrado distintos espacios donde exhibirse y distintos medios que incluyen la performance, el registro audiovisual y otras extensiones, con la intención de seguirse actualizando a medida que avanza este tiempo de Pachakuti.
En 2022, se exhibió por primera vez una colección de 47 esculturas, la mayoría de ellas sonoras, por dos meses en la sala Philippi del Museo Precolombino en Santiago de Chile.
Esta exhibición fue acompañada de distintas actividades de mediación que incluyeron performance, intervenciones sonoras, talleres gratuitos, visitas guiadas y conversatorios online. Desarrollada con la museografía y co-curatoría de José Pérez de Arce y financiada por el Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio en su convocatoria 2021.
Esta primera colección fue desarrollada en el Taller Kachalote en la región del Ñuble y también con la ayuda de la querida artesana de Quinchamalí Victorina Gallegos.
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Este es un pequeño libro en versión física y digital, que he creado como una forma lúdica y descentralizada de poder acceder a la muestra Relatos del Pachkuti exhibida en 2022. En ella se muestran algunos procesos y todas las piezas de esa primera colección, vinculadas en un formato de novela, aprovechando el carácter narrativo que cada pieza tiene, ya que cada una conforma un fragmento de un relato mayor que es el Pachakuti. Para acompañar la lectura, creé un paisaje sonoro para cada capítulo, que incluye los sonidos de los instrumentos de la colección y otros sonidos relacionados a cada temática.
Esta fiesta fue una celebración del cierre de la primera muestra de Relatos del Pachakuti, en el patio sur del Museo Chileno de Arte Precolombino.
Esta fiesta fue una celebración del cierre de la primera muestra de Relatos del Pachakuti, en el patio sur del Museo Chileno de Arte Precolombino. En ella se hicieron sonar las 25 piezas sonoras que componían la muestra, en una performance con el conjunto La Chimuchina, que hace décadas viene explorando las sonoridades de las piezas arqueológicas de América.
Se vivió una jornada llena de estímulos y colores a la más pura manera andina, con una banquetería inspirada en la costa norte de Perú, ceremonia de apertura con la warmi Janet Patzi, confección de un quipu colectivo y la participación de los lakitas Santa Ana y los Caporales Centralistas San Miguel.
En 2023, con el apoyo de DIRAC y del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, la exposición emprendió una itinerancia por 6 meses en el país hermano de Perú, lo que se convirtió en un pequeño peregrinaje hacia la tierra de la cultura Moche, que dió inspiración a la estética de estas obras.
En 2023, con el apoyo de DIRAC y del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, la exposición emprendió una itinerancia por 6 meses en el país hermano de Perú, lo que se convirtió en un pequeño peregrinaje hacia la tierra de la cultura Moche, que dió inspiración a la estética de estas obras.
En esa itinerancia la muestra se exhibió en Lima en el Museo de sitio Pachacamac y en el Museo textil Amano, para luego concluir en Trujillo en la Casa de la Identidad regional.
Cada muestra fue acompañada de distintas actividades de mediación gratuitas para vincular a diversos públicos de manera más experiencial con la obra, que resonó mucho entre los peruanos, dándonos cuenta de que desde tiempos precolombinos hasta el presente compartimos una historia común que nos une tanto en orgullo como en desafíos.
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Esta escultura sonora es una representación en gran formato de la característica vasija de asa estribo, reinterpretada de manera que suena con el viento y también al ser sumergida en un cuerpo de agua.
Esta escultura sonora es una representación en gran formato de la característica vasija de asa estribo, reinterpretada de manera que suena con el viento y también al ser sumergida en un cuerpo de agua. Esta pieza fue creada en colaboración con Julio Ibarrola, artesano peruano que cuida las ruinas de la necrópolis de San José de Moro. En ese lugar se encontraron las vasijas de cerámica de línea fina de la cultura Moche, las que son reconocidas por su belleza única y la densidad iconográfica representada con una técnica de ilustración con una línea muy fina, la que Julio replica a la perfección.
Esta pieza es muy emblemática en cuanto al encuentro de espacios y tiempos que significa este proyecto: en ella se representan escenas propias de la cerámica arqueológica Moche y escenas de la contemporaneidad, todas repartidas en distintos cuadrantes de la vasija.
En 2024, recibí una invitación por parte del Centro Cultural el Almendral en San Felipe, para exhibir la muestra en su hermosa galería.
En 2024, recibí una invitación por parte del Centro de Artes y Oficios el Almendral en San Felipe, para exhibir la muestra en su hermosa galería. Una muestra de un mes que incluyó 4 piezas nuevas que atendieron tanto al territorio como a la contingencia de ese año. También realizamos talleres familiares, visitas guiadas y otras mediaciones con la comunidad cercana al centro cultural.
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Esta es una pequeña serie de 5 esculturas que reflexiona en torno a los saberes ancestrales, la muerte y el reino Fungi. Ellas se inspiran en los famosos Huacos retratos con que la sociedad moche representó las caras de ciertos personajes de élite.
Aquí, a estos rostros, desde la caída de ciertos árboles de sus paradigmas, desde el sotobosque de sus verdades, les afloran hongos que descomponen esas materias y las convierten en sustrato para nuevas (¿o antiguas?) formas de ser y de habitar este plano. Así, el reino fungi va dando espacio para un nuevo humano más integrado con su entorno y con esos saberes, que va a integrar para el equilibrio del ecosistema de la vida.